Archivio per categoria: Schede

La chiesa fu edificata, insieme al convento francescano, tra il 1470 e il 1474 in forma tardogotica con absidi poligonali.
Nel Refettorio del convento si trova la grande tela dell’Ultima Cena attribuita a Michelangelo Anselmi e risalente al 1538-1540.

In origine questa tela stava nel vecchio refettorio del convento, al lato ovest, e fu successivamente spostata quando i Religiosi si trasferirono nel nuovo refettorio. Questo trasloco portò alla necessità di cucire un pezzo di tela per integrare la parte mancante(ancor oggi visibilissima) e costrinse, inoltre, a mutilarne una parte inferiore per fare spazio alla porta d’ingresso.

Michelangelo Anselmi nacque nel 1491 o ’92 a Lucca, ove suo padre Antonio, per sfuggire alla giustizia, si era trasferito da Parma. Studiò pittura a Siena, poi si stabilì a Parma tra il 1516 ed il ’20, in questa città morì tra il 1554 e il 1556.

Link:
https://digilander.libero.it/idbusseto//monastero/

Secondo le fonti, l’opera venne iniziata da Simone Dondo da Carnoli (notizie tra il 1520 e il 1560), frate minore francescano del convento di N.S. degli Angeli di Voltri (Genova) e completata da Luca Cambiaso (1527 – 1585), dopo il 1560.
Il recente restauro ha identificato le due fasi realizzative legate ai due diversi autori: Simone Dondo avrebbe impostato l’ambientazione architettonica del Cenacolo e le prime tre figure di apostoli a sinistra, Luca Cambiaso (subentrato nel lavoro alla morte del frate, avvenuta presumibilmente nel 1560) avrebbe completato le altre figure e il paesaggio sullo sfondo. I personaggi del dipinto riprendono con poche varianti le posizioni e le posture degli Apostoli del Cenacolo leonardesco.

Il grandioso dipinto ad olio su tela (cm 700 x 350 circa) fu forse realizzato per un’altra sede, essendo di dimensioni assai spropositate rispetto al piccolo refettorio del locale Convento quattrocentesco, ambiente che in ambito francescano ospitava tradizionalmente la raffigurazione della Cena. Potrebbe essere stato invece realizzato per il convento di N.S. del Monte (analoghe sono infatti le misure del Cenacolo successivamente realizzato per quella sede da Orazio De Ferrari nel 1641 (vedi scheda), tenuto conto che per quello stesso convento, ove aveva svolto il proprio Noviziato, il Dondo pochi anni prima aveva realizzato la tavola dello Sposalizio della Vergine.

Nel corso del Seicento il dipinto fu collocato nella parete laterale del presbiterio della chiesa, per poi essere successivamente trasferito nella controfacciata dove si trova tuttora.

Storia della Chiesa e del convento.  Nel 1462 alcuni frati francescani chiesero la possibilità di avere una zona di orti e vigneti ad est di Voltri. Grazie all’intermediazione del Doge Ludovico Fregoso, i frati ottennero il terreno e vi costruirono un convento. Negli anni successivi venne costruita anche una chiesa, consacrata il 20 ottobre del 1470 dal vescovo, anche lui appartenente alla famiglia Fregoso.
Nel 1800 le truppe francesi alloggiarono nel convento. A causa della soppressione degli ordini religiosi voluta da Napoleone Bonaparte, i frati dovettero abbandonare il convento nel 1810 per poi rientrarne pienamente in possesso nel 1816.
Dal 1970 la chiesa è parrocchia, tuttora retta dai Frati Minori.

Bibliografia:
Catarozzolo D.; Pastor C. ; Zanelli G., Restauri nella chiesa di Nostra Signora degli Angeli. Simone Dondo, Luca Cambiaso, Tintoretto, SAGEP, Genova 2015
(Il libro tratta del restauro dell’Ultima Cena di Dondo e Cambiaso e del Battesimo di Cristo ascrivibile alla bottega di Jacopo Robusti detto il Tintoretto, ricordato dalle fonti sei-settecentesche ma trascurato invece dalla letteratura moderna.)

Immagine e notizie per cortesia dell’Ufficio beni artistici della Provincia S. Antonio dei frati minori di Genova, che ringraziamo.

Nella Sala dei Banchetti all’interno del Museo sono conservati 4 grandi arazzi in lana che durante la Settimana Santa addobbavano il presbiterio della Basilica.
Restaurati negli anni ’90 del secolo scorso dall’Opificio delle Pietre Dure di Firenze, rappresentano scene della Passione di Cristo e furono realizzati a Venezia da maestranze provenienti da Arras o dalle Fiandre, su modello del pittore Nicolò di Pietro, tra il 1408 e il 1427, ma più probabilmente intorno al 1420.
Gli arazzi sono contornati da un’ampia fascia a motivi floreali, arricchiti da foglie d’acanto, con al centro dei quattro lati e agli angoli l’emblema del leone alato, simbolo dell’evangelista Marco, ma anche emblema della Serenissima.

Queste opere costituiscono una delle più rare ed antiche serie istoriate sopravvissute, tessute nell’ambito della tradizione tessile occidentale.
Sono alti 2 metri e in essi, per una lunghezza di circa 25 metri, sono narrate le storie del processo e della condanna a morte di Gesù, in dieci grandi scene.
Lo stile è nordico, di tipica influenza germanica, riconoscibile sia nelle scene volutamente sintetiche, sia nella rappresentazione decisamente severa.

L’Ultima Cena misura 202 x 710 cm, rappresenta l’inizio del ciclo, ed è cucita insieme ad altri due arazzi, ognuno comprensivo di due scene, in cui vengono raffigurati, nel primo, gli episodi della preghiera di «Gesù nell’Orto degli Ulivi» e il «Bacio di Giuda», mentre nel secondo è raffigurato «Gesù davanti al Sinedrio » (o a Pilato) e la scena della «Flagellazione».

La Cena raffigurata rappresenta gli Apostoli seduti attorno al tavolo con Cristo al centro con Pietro al suo fianco, mentre Giovanni appoggia il capo sul Suo petto. L’artista ha voluto rappresentare il momento in cui Gesù rivela che uno dei dodici lo tradirà; gli atteggiamenti degli Apostoli denotano infatti interrogativi e meraviglia, seppure espressi con la rigidità dello stile tardogotico.

Link:
https://www.venetoinside.com/it/aneddoti-e-curiosita/post/arazzi-museo-basilica-di-san-marco-venezia/%202/6/

Pala d’altare trasportata su supporto di alluminio, di  221.5 × 215 cm .
Opera firmata di Marco Palmezzano 1459-1463/ 1539
Era sull’altar maggiore della Cattedrale/Duomo di Santa Croce di Forlì, ora fa parte della collezione della Pinacoteca civica. Inventario numero 42

Dalla Cronaca Albertina e dalla Cronaca di Andrea Bernardi si ricava che la pala fu posta sull’altare grande il primo ottobre 1506, in occasione della visita di Papa Giulio II. Verso la fine del Seicento, durante il vescovato di Giovanni Rasponi, fu tolta dall’altare e dimenticata fino al 1812 quando, per ordine del vescovo Baratti, fu restaurata da Paolo Angeli e collocata nella Cappella di San Valeriano. Nel 1840 fu trasferita nel Palazzo Vescovile e nel 1880 fu ceduta alla Pinacoteca.
Il Vasari ricorda della pala una predella con storie di Sant’Elena, perduta.
La cimasa con la Pietà è nella Galleria Nazionale di Londra.
Lo stesso Vasari nella “Vita di Jacopo da Palma e di Lorenzo Lotto” ne fa menzione come opera di Nicolò Rondinelli, poi, nella “Vita del Genga”, corregge l’errore restituendola al Palmezzano. Il dipinto fu esposto alla mostra sulle opere del Palmezzano del 1938 e in quell’occasione Gnudi (1938) scrisse: “Fu considerata a lungo il capolavoro dell’artista. E’ una delle sue opere di maggiore impegno, ma di quelle che d’altra parte già più rivelano i suoi limiti. Lo spazio determinato dell’architettura scenografica non serve ai personaggi affastellati in primo piano. Si è perduto l’equilibrio delle pale di Faenza e di Matelica: l’intenzione scoperta del grandioso contrasta con la scarsa consistenza plastica delle figure e con la insufficiente determinazione spaziale. Il colorismo è giunto ad un massimo di risonanza e di violenza di accostamenti, su di una superficie compatta quasi di smalto. L’opera è importante perché segna la svolta del Palmezzano verso la magniloquenza compassata e vuota di tante opere tarde, determinata dall’insufficienza, che si fa in lui tanto più palese quanto più egli si allontana dal ricordo del maestro, a sostenere con coerenza un ritmo intenso e grandioso”.

In un’arcata decorata da grottesche su fondo oro si svolge la scena della Comunione degli Apostoli. Gli apostoli sono inginocchiati davanti al Cristo in piedi. San Giovanni tiene il calice in mano e Cristo ha l’ostia.

Link:
https://bbcc.ibc.regione.emilia-romagna.it/pater/loadcard.do?id_card=58069

http://catalogo.fondazionezeri.unibo.it/entry/work/60271/Palmezzano%20Marco%2C%20Comunione%20degli%20apostoli

https://www.treccani.it/enciclopedia/marco-palmezzano_(Dizionario-Biografico)

La fondazione della Pinacoteca Civica di Forlì avvenne ufficialmente nel 1838. I primi fondi furono costituiti da opere provenienti dalle spoliazioni napoleoniche di varie chiese cittadine. Ad esse si erano aggiunte donazioni di privati cittadini, come il conte Pietro Guarini, ed opere provenienti dal Palazzo Comunale.
L’apertura al pubblico si ebbe nel 1846; la sede era il Palazzo dei Signori della Missione, allora sede della Biblioteca comunale, a cui la pinacoteca era annessa.
Nel 1922, completato il trasferimento dell’ospedale dal Palazzo del Merenda alla nuova sede, progettata nel 1905 da Giovanni Tempioni e terminata nel 1912, ed eseguiti i necessari lavori, la pinacoteca lasciò la vecchia sede per trovare collocazione nel grande palazzo progettato da Giuseppe Merenda. Qui vennero anche trasferiti la biblioteca e gli altri musei civici nel frattempo fondati.
A partire dal 1996, gran parte delle opere della pinacoteca ha raggiunto la nuova sede, nell’ex convento dei Domenicani.

Olio su rame, 24 × 42 cm. Si tratta di uno dei dipinti con storie eucaristiche che ornavano il ciborio dell’altare della cappella del SS. Sacramento della Cattedrale di Forlì.

Opera di Gianfrancesco Modigliani (Forlì, attivo dal 1590 – fino al 1609), pittore appartenente alla scuola forlivese.
Esposto nella sala 18.

La fondazione della Pinacoteca Civica di Forlì avvenne ufficialmente nel 1838. I primi fondi furono costituiti da opere provenienti dalle spoliazioni napoleoniche di varie chiese cittadine. Ad esse si erano aggiunte donazioni di privati cittadini, come il conte Pietro Guarini, ed opere provenienti dal Palazzo Comunale.
L’apertura al pubblico si ebbe nel 1846; la sede era il Palazzo dei Signori della Missione, allora sede della Biblioteca comunale, a cui la pinacoteca era annessa.
Nel 1922, completato il trasferimento dell’ospedale dal Palazzo del Merenda alla nuova sede, progettata nel 1905 da Giovanni Tempioni e terminata nel 1912, ed eseguiti i necessari lavori, la pinacoteca lasciò la vecchia sede per trovare collocazione nel grande palazzo progettato da Giuseppe Merenda. Qui vennero anche trasferiti la biblioteca e gli altri musei civici nel frattempo fondati.
A partire dal 1996, gran parte delle opere della pinacoteca ha raggiunto la nuova sede, nell’ex convento dei Domenicani.

Link:
http://catalogo.fondazionezeri.unibo.it/entry/work/32453/Modigliani%20Gianfrancesco%2C%20Comunione%20degli%20apostoli

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2a/Gian_francesco_modigliani%2C_storie_eucaristiche%2C_1600-10.jpg

La tela fa parte della mostra “Tesori Sacri” della collezione civica, in esposizione permanente dal 2013 presso la Sala Espositiva Due del Museo dei Campionissimi, viale dei Campionissimi 2

Comunione degli Apostoli, fine ‘600, olio su tela, 200 x 495 cm. Provenienza: Novi Ligure, Chiesa/Oratorio della Confraternita della Santissima Trinità, fino al 1985. Non è mai stato esposto in precedenza
Opera oggi attribuita a Gio’ Raffaele Badaracco (Genova 1645 – 1717)

Nel 2013 furono ultimati i restauri del grande telero della fine del ‘600, il cui studio approfondito ha permesso l’attribuzione al Badaracco. Questi dipinti dalle dimensioni veramente importanti, erano stati oggetto di un restauro conservativo a metà anni ’80, ultimato solamente nel 2012 alla luce degli studi che hanno permesso di ricomporlo, visto i tagli che aveva subito negli anni. La vicenda di queste opere risulta alquanto complessa. Al momento del ritrovamento presso l’Oratorio della Trinità e del distacco dalle pareti per scopi conservativi, infatti, la tela oggi intitolata Comunione degli Apostoli era unita sul lato destro a quella genericamente intitolata Quattro Santi. Le due scene non collimavano ed erano il frutto presumibilmente di un’unione grossolana: è evidente infatti il distacco tra una scena e l’altra in conseguenza del quale i due gruppi sono privi di raccordo. Lo studio della tela così ritrovata ha fatto ipotizzare la presenza, al momento dell’assemblaggio di un’ulteriore scena di collegamento. In ogni caso i quattro personaggi della seconda tela sono stati identificati come tre Apostoli e un inserviente. Tra i tre è possibile identificare Giuda nel personaggio di schiena (secondo da sinistra) dal sacchetto di denari che tiene pressoché nascosto nella mano sinistra.
Tra il 1985 ed il 1994 venne promosso dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, tramite la Soprintendenza di Torino, un primo intervento tramite il quale la tela venne tagliata e il dipinto diviso in due parti. Venne poi effettuato un intervento di pulitura e rimozione delle stuccature a olio, rifodero e fissaggio.
Le tele, tagliate e messe in sicurezza, vennero da quel momento, trattate in maniera separata, tanto da riformularne anche i titoli. L’analisi delle opere, una diretta visione delle tele e lo studio della composizione, porta ad affermare con sicurezza che l’unione sul lato destro fosse effettivamente frutto di una scelta arbitraria. La tela rappresentante “Dio Padre con Angeli portacroce”, invece, è un soggetto finito, seppur oggetto anch’esso di un taglio, probabilmente ottocentesco, evidente dalla centina che si percepisce in corrispondenza dell’angolo sinistro in alto.
Il nuovo scenario aperto dall’analisi dalle opere del Santuario della SS. Incoronata di Cornigliano -Genova (vedi foto in basso della Comunione degli Apostoli dell’Oratorio,  cfr. scheda)  fatta nel tentativo di dare attribuzione alle tele novesi, permetterebbe il completamento definitivo del soggetto realizzato per l’Oratorio della SS. Trinità, portandoci a ricomporre le tre tele che vanno a far parte di un’unica grande opera per la città di Novi Ligure, un’Istituzione dell’Eucarestia a opera di Gio’ Raffaele Badaracco.

Genova- Oratorio tela Badaracco

Bibliografia:
Orlando A.; Vignola C., Tesori sacri della collezione Civica, Catalogo edito dal Comune di Novi Ligure, 2013

Immagini tratte dal testo in bibliografia

Link:
http://www.comune.noviligure.al.it/servizi/Menu/dinamica.aspx?idSezione=2059&idArea=44308&idCat=44323&ID=44323&TipoElemento=categoria

Il dipinto, che misura 125 × 100 cm, fu realizzato nel 1561 da Pier Paolo Menzocchi (Forlì, 1532 circa – Forlì, 1589.)

Il Museo fu fondato nel 1928 da padre Leonardo Montalti da Mercato Saraceno il quale, in seguito alla visita ai vari conventi delle province cappuccine di Bologna e della Romagna, raccolse il materiale più prezioso e più a rischio di dispersione al fine di preservarlo e di renderlo maggiormente fruibile. Ha sede in locali attigui all’elegante chiostro di Conti (1722) annesso alla chiesa di San Giuseppe. Vi si conservano circa cento dipinti e diversi arredi sacri provenienti da chiese e conventi di varie località emiliane e romagnole.

Link:
http://catalogo.fondazionezeri.unibo.it/entry/work/104680/Menzocchi%20Pier%20Paolo%2C%20Comunione%20degli%20apostoli

https://it.wikipedia.org/wiki/Francesco_Menzocchi

Olio su tela di 135 × 115 cm
Opera composta tra il 1635 e il 1656 da Bernardo Cavallino (1616- 1656 circa) pittore napoletano.

In Collezione privata, forse a Milano, già nella Collezione E. Zoccoli a Roma.

Info e immagine da:
http://catalogo.fondazionezeri.unibo.it/entry/work/54848/Cavallino%20Bernardo%2C%20Comunione%20degli%20apostoli

Tempera, vernice dorata e foglia oro su pergamena, dipinta a Bruges nel 1525-30 da Simon Bening (fiammingo, circa 1483 – 1561)
Dimensioni della pagina 16,8 × 11,4 cm.
Numero inventario Ms Ludwig 83.ML.115.83v. Non esposto.
Dal “Lbro di preghiere” del cardinale Albrecht di Brandenburg.

In questa miniatura, Cristo ha annunciato che uno di quelli a tavola lo avrebbe tradito e gli Apostoli reagiscono con turbamento. Cristo guarda direttamente Giuda, l’uomo barbuto con i capelli ricci a sinistra, e gli offre un pezzo di pane. Bening ha ambientato la scena in un interno a lui contemporaneo con pavimenti in legno e finestre in vetro piombato con persiane. Per distinguere lo status speciale di Cristo, l’artista ha posto un baldacchino di broccato verde dietro di lui, un indicatore medievale di nobiltà.

Immagine e info da:
http://www.getty.edu/art/collection/objects/3972/simon-bening-the-last-supper-flemish-about-1525-1530/

Giuseppe Floreani (?- 1604) è autore del dipinto Ultima cena, olio su tela, datato genericamente fine secolo XVI, tuttora collocato nel coro della parrocchiale di S. Giovanni Battista a Remanzacco.

Vedi:
https://www.dizionariobiograficodeifriulani.it/floreani-giuseppe/
https://it.wikipedia.org/wiki/Remanzacco

Tempera e foglia d’oro realizzato da un artista bizantino sconosciuto a Nicea o Nicomedia (Turchia) alla fine del XIII secolo
Inventario numero Ms. Ludwig II 5 (83.MB.69), fol. 65v
La pagina misura 20,6 x 14,9 cm

La miniatura proviene da un Vangelo bizantino, i cui dipinti sono stati realizzati in almeno due fasi. I ritratti dell’Evangelista e due delle scene narrative (cc. 76 e 190v) furono probabilmente eseguiti all’inizio del XIII secolo. Le restanti tredici scene a piena pagina furono aggiunte al libro più tardi nello stesso secolo. Poiché le due prime scene narrative hanno subito una grave perdita di pigmento, è possibile che il ciclo narrativo successivo abbia sostituito immagini già gravemente danneggiate nel XIII secolo.
Il suo luogo di origine, variamente ipotizzato, è intrigante perché dal 1204-1261, quando è stata probabilmente realizzata almeno una parte del libro, i Bizantini erano stati esiliati da Costantinopoli dalle forze di invasione provenienti da Venezia, subito dopo la Quarta Crociata (1202-1204 ).

Immagine e info da:
http://www.getty.edu/art/collection/objects/2993/unknown-maker-the-last-supper-byzantine-late-13th-century/

http://www.getty.edu/art/collection/objects/1357/unknown-maker-gospel-book-byzantine-early-late-13th-century/?dz=0.5000,0.7169,0.39

Colori a tempera, vernice dorata, foglia d’oro e inchiostro su pergamena. Dipinta a Ferrara da Taddeo Crivelli (attivo dal 1451 circa al 1479), importante artista che introdusse l’arte rinascimentale nelle miniature dei manoscritti.
La pagina misura 10,8 × 7,9 cm
Inventario numero Ms. Ludwig IX 13 (83.ML.109), fol. 162v

In questa Ultima Cena, ambientata all’interno di un edificio in marmo in stile rinascimentale, gli Apostoli siedono attorno a un tavolo con Gesù. San Giovanni Evangelista appoggia la testa sul tavolo.
Una particolarità, non spiegabile, è che solo alcuni Apostoli hanno l’aureola.

La miniatura appartiene al “Libro d’ore Gualenghi-d’Este”. Questo piccolo manoscritto era il personale libro di preghiere di Andrea Gualenghi e di sua moglie Orsina d’Este, che era un membro della famiglia che dominava Ferrara, dove fu realizzato questo manoscritto.
Il testo del manoscritto comprende le letture abituali che si trovano nei libri d’ore, tra cui l’Ore della Vergine, i Salmi penitenziali, l’Ore della Santa Croce, l’Ufficio per i morti e i Suffragi, che sono preghiere ai Santi. Quest’ultima sezione contiene la maggior parte delle ventuno miniature a tutta pagina.

Immagine e info da:
http://www.getty.edu/art/collection/objects/3812/taddeo-crivelli-the-last-supper-italian-about-1469/

http://www.getty.edu/art/collection/objects/1397/taddeo-crivelli-and-guglielmo-giraldi-gualenghi-d’este-hours-italian-about-1469/

Olio su tela di 295 x 175 cm, dipinto nel 2009 da Andrey Zakirzyanov, artista, regista e designer multidisciplinare, nato nel 1986.

Questa Cena trae spunto dal Cenacolo di Leonardo, rivisitato in chiave surrealista.

Immagine da:
https://www.behance.net/gallery/368448/The-Last-supper

Pagina con miniature di Ultima Cena e Lavanda dei piedi, colori a tempera, oro, argento e inchiostro realizzata da artista tedesco sconosciuto a Regensburg, Baviera, nel 1400-10.
La pagina misura 33.5 × 23.5 cm
Inventario numero Ms. 33 (88.MP.70), fol. 286v

Intorno alla tavola rotonda, su cui è un vassoio con piede contenente un agnello, sono raffigurati tutti gli Apostoli, tra essi Giuda cui Gesù sta porgendo il boccone mentre un diavoletto è accanto alla sua bocca.

La pagina appartiene al manoscritto della “Cronaca mondiale” (in tedesco Weltchronik) che Rudolf von Ems, cavaliere tedesco e scrittore prolifico, compose verso la metà del 1200. In distici in rima, la cronaca intreccia testi biblici, classici e altri testi secolari in una storia del mondo, a partire dalla Creazione. Il suo tema dominante è la rivelazione del piano di salvezza cristiana di Dio nel corso del tempo. Scritto per il patrono di Rodolfo, il re Corrado IV, l’opera doveva culminare con una spiegazione del ruolo della dinastia degli Hohenstaufen nella storia della salvezza, ma l’autore morì quando l’opera era arrivata solo fino a re Salomone; altri testi del XIII secolo completarono la cronaca di Rudolf.

La versione della Cronaca mondiale conservata al Getty Museum è un grande libro, spesso oltre 15 cm, copiato e miniato tra il 1400 e il 1410. Delle molte versioni sopravvissute, la copia del Museo è la più riccamente decorata, contenente più di 380 miniature con colori vivaci, pennellate audaci e intensità psicologica.

Immagini e info da:
http://www.getty.edu/art/collection/objects/2071/unknown-brother-philipp-the-last-supper-christ-washing-the-apostles’-feet-german-about-1400-1410/

http://www.getty.edu/art/collection/objects/1505/unknown-rudolf-von-ems-jansen-enikel-et-al-weltchronik-german-about-1400-1410-with-addition-in-1487/

La chiesa, oggi parrocchiale, della città della Bassa Sassonia nel distretto di Osnabrück, è un piccolo edificio in pietra naturale e mattoni, fondata nel 1235 dal vescovo Corrado I di Osnabrück.

L’altare maggiore fu donato nel 1662 dalla famiglia Burgmann Voss. Imponenti pilastri fiancheggiano il quadro principale e sorreggono una cornice sporgente. Il grande dipinto raffigura l’Ultima Cena, è opera di un membro della famiglia Clostermann, artisti di Osnabrück, e si basa sull’immagine dell’Ultima Cena di Peter Paul Rubens del 1632, vedi scheda:
https://www.ultimacena.afom.it/milano-pinacoteca-di-brera-ultima-cena-di-pietro-paolo-rubens/

Link:
https://second.wiki/wiki/st_sylvester_quakenbrc3bcck

https://www.alamy.it/quakenbruck-chiesa-parrocchiale-di-san-silvestro-

Capolettera istoriato, dipinto a tempera con foglia d’oro e doratura a conchiglia d’oro, opera del boemo Valentine Noh (attivo nel 1470 circa) a Praga.
La pagina misura 14.1 × 10.2 cm
Inventario numero Ms. 28 (87.ML.60), fol. 111

La pagina appartiene a un “Libro di preghiere”.

Gli Apostoli sono attorno a una tavola rotonda, solo Giuda, in abito giallo, non ha l’aureola.

Immagine e info da:
http://www.getty.edu/art/collection/objects/2117/workshop-of-valentine-noh-initial-s-the-last-supper-bohemian-about-1470-1480/

http://www.getty.edu/art/collection/objects/1500/workshop-of-valentine-noh-prayer-book-bohemian-about-1470-1480/

Dipinto dell’Ultima Cena, realizzato nel 2000 dall’artista sovietico Dmitry Zhilinsky (1927-2015).
Il pittore è stato autore di numerosi dipinti innovativi, di scene in cui ha reinterpretato con successo la tradizione dell’antica pittura di icone russe e della pittura del primo Rinascimento.

L’opera è di proprietà dell’Accademia Russa delle Arti.

Immagine e info da:
https://soviet-art.ru/soviet-artist-dmitry-zhilinsky/the-last-supper-2000-ownership-of-the-russian-academy-of-arts/

http://en.rah.ru/

Olio su tela di 560 x 1309 cm realizzato nel 1573 da Paolo Caliari detto il Veronese (1528 – 1588)
Inventario numero 203, sala X.
Proviene dal refettorio del convento dei Santi Giovanni e Paolo; da Parigi, Musée Napoleon (1797-1815); al museo dal 1815

Il dipinto fu commissionato nel 1573 al Veronese dai religiosi dell’Ordine di San Domenico per la Basilica dei Santi Giovanni e Paolo a Venezia, per sostituire nel refettorio un dipinto di Tiziano distrutto da un incendio nel 1571.
Il soggetto doveva essere quello dell’Ultima Cena, ma l’artista affrontò tale tematica da un punto di vista fortemente innovativo e particolare, con il suo stile mondano e festoso, già sperimentato in altre opere a partire dalle Nozze di Cana del 1563; però in questo caso il tema era l’istituzione del sacramento dell’Eucaristia e le caratteristiche dell’opera misero in allarme il priore del convento che si rivolse alla Sacra Inquisizione che ritenne il dipinto sconveniente per l’edonismo rappresentatovi e per la presenza accanto al Cristo di “buffoni, imbriachi, thodeschi, nani et altre scurrilità”, quindi per le figure di protestanti (todeschi) e di altri che potevano essere indizi che si volesse dileggiare il Sacramento.
Con il Concilio di Trento, in pieno spirito controriformista, fu deciso un ferreo controllo delle produzioni artistiche con il decreto De invocatione,veneratione et reliquis sanctorum et sacris imaginibus (1563); negli anni successivi si provvide anche a pubblicare anche alcuni “manuali di istruzione”. Sebbene non fosse stato specificato un preciso metodo interpretativo, e quindi inquisitorio, l’obiettivo era che opere fossero chiare per i fedeli e aderenti alle sacre Scritture.
Chiamato a rispondere di fronte al tribunale del Sant’Uffizio, nel luglio 1573, il Veronese difese le proprie scelte d’artista, rilevando che: “Nui pittori ci pigliamo la licentia che si piglino i poeti et i matti. […] Se nel quadro vi avanza spacio io l’adorno di figure,secondo le inventioni”.
Ma l’Inquisizione ritenne l’opera indegna di raffigurare l’Ultima Cena e ordinò al pittore di “emendare” il dipinto a proprie spese entro tre mesi. Questi risolse la questione riferendo l’opera a un altro soggetto evangelico: inserì una scritta sui piedritti che limitavano le balaustrate delle due «scale morte» dove alla base vi era già la data di consegna dell’opera, a sinistra “A D MLXXIII” e a destra “DIE XX APRIL”. La nuova scritta recita “FECIT D[OMINO] CO[N]VI[VIUM]MAGNU[M] LEVI cioè «Levi fece un grande convito per il Signore» completata sull’altro lato dal riferimento al passo evangelico: “LUCA CAP V”, cioè Vangelo di Luca, capitolo 5,29-32 che riporta:
«Poi Levi gli preparò un grande banchetto nella sua casa. C’era una folla di pubblicani e d’altra gente seduta con loro a tavola. I farisei e i loro scribi mormoravano e dicevano ai suoi discepoli: “Perché mangiate e bevete con i pubblicani e i peccatori?”. Gesù rispose: “Non sono i sani che hanno bisogno del medico, ma i malati; io non sono venuto a chiamare i giusti, ma i peccatori a convertirsi”.»
La Cena è raccontata anche in Matteo (9,10-13) e Marco ( 2,13-17).

Successivamente al processo, Veronese evitò di ambientare il soggetto originario in contesti mondani e festosi, come nell’ Ultima Cena di Brera, vedi scheda o in quella ai Musei civici di Padova, vedi scheda.

La tela veneziana, così ridenominata, rimase nel refettorio del Convento sino al 1697 quando, per salvarla da un incendio, fu frettolosamente tagliata in tre pezzi e arrotolata. Probabilmente a questa vicenda sono da riferirsi alcune screpolature, oltre alla perdita della trabeazione sopra gli archi e di una fascia più sottile in basso, a continuazione del pavimento. Le parti ora mancanti sono visibili per esempio nell’incisione di Jan Saenredam che è anteriore al 1607.
L’anno successivo all’incendio il dipinto fu restaurato ma lasciato montato su tre telai. Con l’annessione di Venezia alla Repubblica Cisalpina e le successive soppressioni degli ordini religiosi, il dipinto fu confiscato e portato in Francia. Nel 1815 fu restituito a Venezia e assegnato alle Gallerie dell’Accademia. Nel 1828 fu restaurato e collocato su una parete di testa del salone. Fu di nuovo restaurato alla fine della seconda guerra mondiale. Nel 1980-1982 ebbe un importante ripristino che lo rimontò in un unico pezzo, recuperando le parti ripiegate sotto i tre telai. Nel 2014 l’ultimo restauro.

Commensali e servitori presenti al banchetto sono raffigurati negli atteggiamenti più diversi: nobili del patriziato veneto, paggetti e servi, soldati, animali e bambini che giocano, nani e giullari in una composizione animata e vivace, di chiaro gusto profano. Questa enorme quantità di personaggi certamente non è prevista nella canonica raffigurazione dell’Ultima Cena, inoltre molte figure sono presentate completamente disinteressate alla presenza di Gesù, infatti, discutono tra loro animatamente o gli voltano addirittura le spalle.
Il Veronese raffigura una cena lussuosa della sua epoca a Venezia, con attenta riproduzione del cerimoniale rinascimentale, dello stile di servizio veneziano e con la tipica ostentazione dei prodotti della città – vetri, tessuti, merletti – vedasi la tovaglia orlata da pizzi stesa su un tappeto a decori vegetali; la dovizia di suppellettili; la presenza del piròn, termine di origine greco-bizantina che nell’interrogatorio dell’Inquisizione indica la forchetta a due rebbi.
La raffigurazione si concentrava sul momento dell’annuncio del tradimento futuro di Giuda, quindi gli atteggiamenti degli Apostoli variano tra coloro che non hanno ancora sentito e quelli che si sporgono stupiti e incuriositi a osservare la scena centrale, mentre Pietro è ancora intento a disarticolare un cosciotto da servire a Gesù. Al lato opposto della tavola Levi (Matteo) nel suo ricco vestito rosso orlato di pelliccia osserva arcigno Giuda (quasi avesse già compreso) che guarda dal lato opposto, distratto da un paggetto.

Immagine da Wikimedia

Link:
https://www.gallerieaccademia.it/convito-casa-di-levi

https://it.cathopedia.org/wiki/Cena_in_casa_di_Levi_(Paolo_Veronese)

https://it.wikipedia.org/wiki/Convito_in_casa_di_Levi

In Etiopia, artisti popolari creano spesso i loro dipinti su pergamena realizzata con pelli di animali conciate, di solito nello stile plurisecolare dell’arte tradizionale etiope.
Il Cristianesimo arrivò in Etiopia nel IV secolo e l’arte religiosa è stata a lungo una tradizione culturale. Si sono conservate opere, antiche o realizzate recentemente, che raffigurano l’Ultima Cena.
Le immagini tendono a rappresentare i modi tradizionali di mangiare nelle zone rurali. Nell’opera riprodotta nell’immagine in alto, il pittore mostra Gesù e i 12 Apostoli che condividono un pasto attorno a tre mesob e mangiano con le mani secondo l’uso etiope. I mesob (che quasi certamente non esistevano ai tempi di Gesù) sono cesti per alimenti della tradizione etiope con funzione di piatti. Il dipinto (Etiopia UC1) reca la scritta in amarico, in alto a sinistra, che significa: “Giovedì sera Gesù cenò con i suoi discepoli”.
Immagine da:
https://ethiopianfood.wordpress.com/2014/04/01/the-art-of-the-meal/

L’immagine sopra (Etiopia UC 2) ha iconografia simile alla precedente e l’iscrizione in alto, in amarico: Christos b’elete-hamus erat abela, significa “Cristo ha ospitato la cena il giorno di giovedì“.

Immagine da:
https://ethiopianfood.wordpress.com/2014/04/01/the-art-of-the-meal/

L’immagine sopra (Etiopia UC 3), ha un’iconografia simile alla precedente, ma senza scritte.

Immagine da:
https://ethiopianfood.wordpress.com/2014/04/01/the-art-of-the-meal/

Sopra, un’altra raffigurazione su pergamena di Ultima Cena tradizionale (Etiopia UC 5)

Immagine da:
https://www.worthpoint.com/worthopedia/ethiopian-folk-art-painting-parchment-1731048289

Invece la pittura (Etiopia UC 4) sopra è un’Ultima Cena che segue l’iconografia europea, con gli Apostoli seduti a una tavola rettangolare su cui sono un calice e 12 pani, Gesù tiene in mano il tredicesimo.

Immagine da:
https://m.facebook.com/ethiopianculture/photos/a.382692071802342/478192335585648/?type=3&__tn__=-R

L’immagine (6) sopra raffigura un‘Ultima Cena che segue l’iconografia europea: gli Apostoli siedono attorno a una tavola rotonda su cui sono dei pani, un calice e un piatto. Nella figura a sinistra si riconosce Giuda perché ha in mano il sacchetto delle monete.

Immagine da:
https://curiouschristian.blog/2019/07/02/ethiopian-last-supper/

Palazzo Liria, costruito tra il 1762 e il 1783, è la residenza madrilena dei Duchi d’Alba ed è considerato la residenza nobiliare più ricca e grande della Spagna. Ospita una collezione privata d’arte europea.

La Cena, che campeggia in alto nella sala italiana con l’attribuzione alla scuola del Vecelio, é una grande tela (167 x 255 cm ) di cui si sa pochissimo; fu comperata in Italia come opera di Tiziano nel 1818 dal duca d’Alba don Carlos Miguel, assieme ad altri cinque pezzi tre dei quali si trovano ora in palazzo Liria.
Nel catalogo della collezione d’Alba la Cena era stata schedata da Barcia come di Palma il Vecchio, mentre Pita Andrade (1959) la diceva della bottega di Tiziano, in rapporto all’esemplare assai simile dell’Escorial.
Scrive E. M. Dal Pozzolo (1): «Nella letteratura tizianesca non mi pare però segnalata in alcuna monografia, se non in un’icastica menzione di Suida (1933), che la definiva “variante” di quella dell’Escorial, e di Pallucchini (1969) che, pure senza riprodurla, la disse “opera impiantata da Tiziano, ma eseguita in gran parte dalla bottega”. Analogamente D’Argaville – in uno studio sulla perduta Ultima Cena per il refettorio dei Santi Giovanni e Paolo a Venezia – accennò che gli era nota solo da una vecchia fotografia, ma che gli appariva “of very high qualità and which shows a quite different, but imposing, solution for the background” (rispetto alle altre redazioni del tema conosciute). In effetti, al pari degli altri pezzi della collezione d’Alba, il dipinto era stato visto da pochissimi studiosi e di esso era disponibile solo una pessima riproduzione fotografica che rendeva assai difficile, se non impossibile, un giudizio.
La presentazione dell’opera nella sala principale della mostra Tiziano. L’ultimo atto (in Palazzo Crepadona a Belluno, 2007-2008) è risultata dunque un’occasione propizia per un’analisi accurata, di ricognizione sia visiva sia diagnostica, utilizzando gli strumenti del Laboratorio di Indagini non Invasive sulle opere d’arte antica e contemporanea dell’Università di Verona (Laniac).»
Il quadro è in uno stato di conservazione non buono, in molte aree è evidente la perdita di modellato volumetrico e di moltissime velature. Ciò ha condotto a ridipinture anche assai pesanti, ad esempio nelle vesti azzurre del primo apostolo da sinistra e di Giuda, come dimostrano le analisi scientifiche.
Prosegue Dal Pozzolo: «È inoltre molto probabile che pure i due alberelli sul fondale siano il risultato di un’integrazione tarda. L’esecuzione evidenzia differenti gradi di finitura e di qualità pittorica. Se è indubbio che alcune parti risultano di fattura corsiva e quasi abbozzata (come il secondo e il quarto apostolo da destra o il secondo da sinistra) e che in più punti si riconoscono pentimenti in corso d’opera (particolarmente eclatante quello sul primo apostolo da destra, inizialmente immaginato con un copricapo e senza mano alla bocca), è altrettanto innegabile il livello più che sostenuto e a tratti eccelso riconoscibile in svariate aree della tela. Si consideri la straordinaria freschezza interpretativa e di tocco che informa il terzo apostolo da sinistra che impugna un coltello, la figura del Cristo (che rievoca sia quello dell’Institute of Art di Minneapolis, sia quello dell’Ermitage) nonché tutti i brani di “natura morta”: dai vetri sulla tovaglia al bacile di rame, realizzati con pochi tocchi plastici e sapientissime colature di biacca. Siamo dunque innanzi a un tipico prodotto della maturità del cadorino, in cui l’esecuzione personale del maestro s’intreccia a doppio filo con l’intervento di qualche allievo.»

Immagine e parte del testo da:
(1) Dal Pozzolo E.M, L’Ultima Cena di Tiziano e altri dipinti veneti del Cinquecento in palazzo Liria a Madrid, in “Studi Tizianeschi”, V, 2007, pp. 112-137

Link:
https://it.wikipedia.org/wiki/Palazzo_di_Liria

Olio su tela realizzato nel 1573 da Paolo Caliari detto il Veronese (1528 – 1588) col fratello Benedetto Caliari (1538 – 1598).
Numero inventario 1972

Il dipinto fu realizzato per il refettorio del Convento dei Cappuccini. Al Museo dal 1857.

Immagine da Wikimedia

L’incisione dell’Ultima Cena, realizzata tra il 1866 e il 1870, presenta gli Apostoli intorno a una tavola rettangolare; sullo sfondo a sinistra due colonne ioniche e a destra un tendaggio.

Paul Gustave Louis Christophe Doré (Strasburgo,1832 – Parigi, 1883) è stato un pittore e incisore francese, noto soprattutto per le sue illustrazioni della Divina Commedia di Dante e della Bibbia. Edizione italiana:
La Sacra Bibbia illustrata da Gustave Doré; Treves, Milano 1880-1881, 2 voll. con 230 tavole

Le numerosissime opere originali di Doré, sia stampe sia matrici in legno, sono conservate a Parigi e, in parte, nel Museo Brou di Bourg-en-Bresse.
La Bibliothèque nationale ha digitalizzato tutte le sue opere.

Immagine da Wikimedia

Link:
http://expositions.bnf.fr/orsay-gustavedore/reperes/fonds.htm

Dipinto a olio su legno di quercia. La tavola misura 83,4 x 113 cm e contiene 35 scene su cinque registri di sette immagini; ogni scena misura 15 x 15 cm.
Realizzata a Colonia nel 1410-20 circa da un autore sconosciuto.
Inventario numero 1224.

Trentaquattro immagini narrano la vita di Cristo e di Maria e la trentacinquesima – nell’angolo in basso a destra – mostra la famiglia del donatore.
L’Ultima Cena è la quinta scena da sinistra nel secondo registro dall’alto.
I dodici Apostoli attorno alla tavola sono raffigurati tutti, anche se alcuni di scorcio e parzialmente.

Immagini da Wikimedia

L’artista indigena australiana Dianne Tchumut (nata nel 1961) ha creato il dipinto dell‘Ultima Cena nel 1992. Ella risiedeva nel nord dell’Australia, nella terra di Arnhem, presso il fiume Daly in una comunità di solo circa 150 persone di cui un terzo erano artisti e la maggior parte donne.
L’arte cristiana aborigena non è molto considerata sia per una preferenza commerciale per l’arte che riflette più puramente la cultura aborigena e sia per un persistente disagio/senso di colpa per gli effetti che l’attività missionaria ha avuto sui sistemi sociali e sulle credenze locali. Nella terra di Arnhem, però, la presenza missionaria è stata meno invasiva che in altre parti dell’Australia: a Daly, la Missione Cattolica arrivò solo nel 1956. Ciò ha evidentemente permesso agli abitanti di mantenere i loro sistemi di credenze pur incorporando elementi del Cristianesimo.
L’opera di Tchumut reimmagina completamente l’Ultima Cena rappresentando questo soggetto con uno stile artistico tipicamente aborigeno. Nel processo emergono alcuni contrasti sorprendenti. Ad esempio, il lungo tavolo di Tchumut, suggerito dalla linea orizzontale che attraversa il terzo inferiore dell’opera, riflette il modello occidentale, ma è estraneo alla cultura tradizionale. Allo stesso tempo, Cristo e tutti gli Apostoli sono in piedi, il che è coerente con la pratica artistica aborigena comune per le figure, ma è estraneo all’idea occidentale dell’Ultima Cena. Gli Apostoli sono raffigurati in uno stile non naturalistico, che può rappresentare esseri che ricordano gli antenati spirituali; mancano i tratti del viso, sostituiti da una varietà di disegni decorativi che, insieme alle aure, sono presumibilmente legati alla loro spiritualità.
Cristo è identificato dalla sua posizione centrale, dalle sue ampie emanazioni spirituali e dalla sua dimensione ieratica; a differenza della maggior parte dei modelli occidentali, sembra semplicemente pregare – non compie un gesto consacratorio e, comunque, non sembra esserci alcun cibo o bevanda sulla tavola.
Giuda (il secondo in alto a destra) è invece coerente con la tradizione occidentale perché è di profilo e privo di qualsiasi aura o disegno della testa.
L’esistenza di questi contrasti fa sì che, a seconda del punto di vista, l’opera possa essere percepita sia come un non facile compromesso sincretico, sia come una fusione creativa originale e provocatoria. La tensione tra questi punti di vista tende a permeare le valutazioni dell’arte apertamente interculturale.

Testo e immagine da:
http://www.artinsociety.com/on-the-trail-of-the-last-supper.html

Sieger Köder (1925 – 2015) è stato un pittore tedesco che nel 1971 fu ordinato sacerdote cattolico e usò l’arte, caricata della sua esperienza durante la seconda guerra mondiale e l’Olocausto, collegandola strettamente al suo ministero.
Egli  ‘si mette dalla parte di chi soffre’ e tale prospettiva è evidente soprattutto nel ciclo pittorico raffigurante l’intera passione di Gesù e in questa Ultima Cena, fortemente simbolica e molto utilizzata nella predicazione cattolica.
Solo 11 Apostoli sono ben delineati, invece di Giuda, che sta andando via, c’è l’ombra sulla destra in alto.
Sulla tavola pezzi di pane e l’ombra della Croce sulla tovaglia, anticipazione della Passione.
Molto innovativa la resa di Cristo, di cui sono raffigurate solo le mani e il viso riflesso nel calice; ciò fa sì che lo spettatore guardi la realtà con gli occhi di Gesù.

Immagine da:
http://parrocchiasantamariadellasalute.weebly.com/immagini-sieger-koder.html

Arazzo in lana, seta e argento dorato, di 335 x 350 cm.
Numero d’inventario 1975.1.1915
Proviene dalla Collezione di Robert Lehman Collection, 1975
Esposto al Met Fifth Avenue nella Gallery 959

Disegnato dal fiammingo Bernaert van Orley (circa 1488-1541). Probabilmente tessuto da Pieter de Pannemaker, fiammingo attivo dal 1517al 1535.
Questa splendida Ultima Cena fa parte di una serie di quattro arazzi che raffigurano la Passione di Cristo. L’opera testimonia l’integrazione compiuta da Van Orley tra le tradizioni dei paesi nordici e i modelli italiani, che diede vita a un nuovo stile nell’arte degli arazzi. Van Orley abbinò l’espressività emotiva e l’attenzione ai particolari della xilografia di Albrecht Dürer – anch’essa intitolata Ultima Cena – che ispirò lo schema compositivo dell’arazzo, con la costruzione dello spazio e di figure monumentali.

Link:
https://www.metmuseum.org/it/art/collection/search/459205

La tela è esposta nella Sala del Capitolo, l’unico spazio gotico del XV secolo completamente conservato.
Cristo tiene l’ostia in mano, sulla tavola un calice, un piatto con l’agnello, una bottiglia di vetro, bicchieri, pani, coltelli. Particolare in primo piano è il nodo dell’estremità della tovaglia.

Juan Vicente de Juanes – noto come Juan de Juanes o Juan Macip (1503 -1579), (figlio del pittore Vicente Juan Macip/Masip noto anche Vicente de Juanes/Vicente Macip, 1475 -1550) fu uno dei maggiori pittori del Rinascimento spagnolo.

La chiesa è uno dei migliori esempi di convivenza di un edificio con struttura gotica del XV secolo con una ricchissima decorazione barocca del XVII secolo.

Altre Ultime Cene di Juan de Juanes in:
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-madrid-museo-del-prado-ultima-cena-di-j-de-juanes/

https://www.ultimacena.afom.it/spagna-valencia-museo-delle-belle-arti-ultima-cena-di-j-de-juanes-1534/

Immagine da:
https://www.pinterest.at/pin/477240891735493805/

Link:
https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_San_Nicol%C3%A1s_de_Bari_y_San_Pedro_M%C3%A1rtir

https://www.sannicolasvalencia.com/

L’Ultima Cena è un tema che è stato oggetto anche di emissioni filateliche da parte di molti Stati.
In ordine alfabetico, seguono alcuni esempi.

ARGENTINA 1984
Riproduce l’Ultima Cena del Beato Angelico in San Marco, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/firenze-convento-di-san-marco-con-ultima-cena-dellangelico/

CIPRO 1981
Riproduce il Cenacolo di Leonardo a Milano

EMIRATO ARABI -AJMAN   circa 1976
Riproduce l’Ultima Cena del Beato Angelico nell’Armadio degli argenti, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/firenze-museo-di-san-marco-armadio-argenti-ultima-cena-angelico-15/

EMIRATI ARABI -AJMAN    1972
Riproduce l’Ultima Cena di Tiziano, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/urbino-pu-ultima-cena-del-tiziano/

EMIRATI ARABI – RAS ALKHAIMA  1970
Riproduce l’Ultima Cena di Philippe de Champagne, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/francia-parigi-museo-del-louvre-ultima-cena-grande-e-piccola-di-p-de-champaigne/

FIJI/FIGI   1994
Riproduce liberamente l’Ultima Cena di Carl Boch, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/danimarca-copenaghen-castello-di-frederiksborg-ultima-cena-di-carl-bloch/

GIBILTERRA
Foglietto con particolari di opere di Leonardo, tra essi il Cenacolo milanese.

GRAN BRETAGNA
2019
Foglietto celebrativo di Leonardo con il Cenacolo.

GUINEA EQUATORIALE  1972
Foglietto non linguellato che raffigura, con modifiche, un’Ultima Cena dal Museo di Barcellona:
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-barcellona-museo-darte-catalana-tavola-di-san-michele-con-ultima-cena-fine-xiii-secolo/

GUYANA
Riproduce l’Ultima Cena di Salvador Dalì, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/usa-washington-ultima-cena-di-salvador-dali-alla-national-gallery-of-art/

ISOLE CAYMAN 1973
Riproduce una vetrata con Ultima Cena.

ITALIA  1998
Commemora il cinquecentenario del Cenacolo di Leonardo (1498)

ITALIA  2000
Commemorazione del Giubileo. Riproduce un particolare dell’Ultima Cena del Ghirlandaio, vedi scheda:
https://www.ultimacena.afom.it/firenze-convento-di-san-marco-ultima-cena-di-domenico-ghirlandaio/

ITALIA  2011
Commemora il XXV Congresso Eucaristico. Riproduce un arazzo ispirato ad un disegno di Peter Paul Rubens raffigurante l’Istituzione dell’Eucarestia, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/ancona-museo-diocesano-arazzo-con-istituzione-delleucaristia-su-disegno-di-p-p-rubens-1640/

LIBERIA
Riproduce l’Ultima Cena di El Greco, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/bologna-pinacoteca-nazionale-ultima-cena-di-el-greco/

LIBERIA
Riproduce il Cenacolo di Leonardo

MALTA
Riproduce un arazzo fiammingo che raffigura l’Ultima Cena.

PANAMA
Riproduce l’Ultima Cena di Juan de Juanes nella Chiesa di San Nicola a Valencia, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-valencia-chiesa-di-san-nicola-e-san-pietro-martire-ultima-cena-di-j-de-juanes-xvi-secolo/

REPUBBLICA CENTROAFRICANA
Riproduce parzialmente una copia moderna del Cenacolo di Leonardo

REPUBBLICA ABKHAZIA
Foglietto che riproduce l’ “Ultima Cena di Hollywood”, parodia che, sullo schema del Cenacolo di Leonardo, sostituisce gli Apostoli con attori del cinema.

SAINT KITTS AND NEVIS (Caraibi)  1973
Riproduce l’Ultima Cena di Juan de Juanes conservata a Madrid, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-madrid-museo-del-prado-ultima-cena-di-j-de-juanes/

SPAGNA  1979
Riproduce l’Ultima Cena di Juan de Juanes conservata a Madrid, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-madrid-museo-del-prado-ultima-cena-di-j-de-juanes/

STATO VATICANO  1998
Riproduce l’Ultima Cena da un codice miniato.

STATO VATICANO  2002
Riproduce l’Ultima Cena di Cosimo Rosselli, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/citta-del-vaticano-ultima-cena-di-cosimo-rosselli/

TOGO  1969
Riproduce parzialmente l’Ultima Cena del Tintoretto, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/venezia-scuola-grande-di-san-rocco-ultima-cena/

TOGO  1984
Foglietto che riproduce l’Ultima Cena di Andrea del Castagno, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/firenze-cenacolo-di-santapollonia-ultima-cena-di-andrea-del-castagno/

UGANDA  1985
Riproduce un’Ultima Cena

YEMEN 1969
Nel 5° anniversario dell’incontro tra l’Imam e papa Paolo VI, riproduce l’Ultima Cena del Tiepolo,vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/francia-parigi-museo-del-louvre-ultima-cena-di-g-b-tiepolo/

M O N E T E
L’Ultima Cena è stata raffigurata anche su monete, per la maggior parte esemplari da collezione, da parecchie Nazioni.

ANDORRA 2012
Moneta in argento, rettangolare, da 5 diners, con riproduzione del Cenacolo di Leonardo

CAMERUN 2019
Moneta da collezione rettangolare in argento da 2000 franchi, con riproduzione del Cenacolo di Leonardo

ISOLE COOK 2008 – 2018
Monete da collezione in argento da 20 dollari, con riproduzione del Cenacolo di Leonardo

ISOLE COOK 2019
Moneta da collezione in argento da 20 dollari con riproduzione di
un’Ultima Cena di Tiziano, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/spagna-san-lorenzo-de-el-escorial-monastero-di-san-lorenzo-ultima-cena-di-tiziano-1557-64/

ISOLE MARSHALL 1997
Monete da collezione in rame-nichel da 5 e da 50 dollari con riproduzione di particolare di un’Ultima Cena

NIUE (repubblica) 2012
Moneta da collezione rettangolare in argento da 1 dollaro di Niue con riproduzione della Lavanda dei piedi e dell’Ultima Cena dalla pala della Maestà di Duccio, vedi scheda
https://www.ultimacena.afom.it/siena-museo-dellopera-metropolitana-lultima-cena-di-duccio-da-buoninsegna/

NIUE (repubblica) 2012
Set di 7 monete rettangolari in argento da 5 dollari, con riproduzione sul verso del Cenacolo di Leonardo

NIUE (repubblica) 2012
Monete da collezione in argento da 2 e da 10 dollari con riproduzione di un’Ultima Cena da una chiesa ortodossa e scritta in cirillico

NIUE (repubblica) 2012
Moneta da collezione da 500 dollari con riproduzione del Cenacolo di Leonardo

NIUE (repubblica) 2016
Moneta da collezione in argento da 2 dollari con riproduzione dell’Ultima Cena di Gustave Dorè, vedi scheda:
https://www.ultimacena.afom.it/francia-parigi-bibliotheque-nationale-de-france-ultima-cena-incisione-di-g-dore-1866-circa/

SAMOA 2019
Moneta da collezione rettangolare in argento (kg 1) che riproduce il Cenacolo di Leonardo

STATO VATICANO  1998
Moneta da 10.000 lire con Ultima Cena

Quadro di 350 x 210 cm, dipinto nel 2000 da Pavel Popov, artista russo nato nel 1966.
L’opera che realizzò per il diploma all’Accademia Russa di Pittura fu appunto questa Ultima Cena in cui gli Apostoli siedono in cerchio a terra su tappeti. Al centro ci sono un pane e un calice.

Immagine da:
http://ppopov.ru/history.html

Info:
http://ppopov.ru/bio.html

https://orthochristian.com/118602.html

Dipinto a olio su rame di 96 x 104 cm, opera del pittore russo Vasili Petrovic Vereshchagin (1835-1909).
Firmato in cirillico in basso a destra.

Venduto all’asta il 30 maggio 2012 a Londra.

Questa Ultima Cena presenta le figure intorno a un tavolo rettangolare su un’alta pedana, nessuna ha l’aureola. Due Apostoli sono in primo piano di spalle. Gesù al centro, appoggiato sul braccio destro, gli altri Apostoli sono raffigurati in differenti posture.

Immagini e info da:
https://www.bonhams.com/auctions/19964/lot/28/

Olio su tela di 100 x 200 x 4 cm, opera dell’artista vietnamita Loi Nguyen Duc (nato nel 1981, vive e lavora a Saigon). Rivisitazione del Cenacolo di Leonardo  secondo l’arte astratta.

Il quadro è stato venduto.

Immagine da:
https://artplatform.com/works.php?a=14470,My%2520Last%2520Supper%2520&artist=Loi%2520

La costruzione della chiesa, intitolata al Salvatore,  iniziò nell’ultimo terzo del XII secolo, e l’edificio fu consacrato nel 1222. Appartiene allo stile romanico di transizione verso il gotico.
Il portale nord conserva una serie di ricche e complesse sculture romaniche, tra le più significative della bottega del Maestro de Agüero, realizzate tra il 1175 e il 1185. Il portale si apre in un arco semicircolare, con cinque archivolti separati da archetti arretrati con ornamenti vegetali e geometrici, che circondano un timpano con una straordinaria rappresentazione dell’Ultima Cena.
Le scene narrate negli archivolti seguono un programma iconografico omogeneo, il cui tema centrale è la Redenzione e la Vita di Gesù. Nell’archivolto interno compaiono immagini profane: flautista, contorsionista, ballerino, grifoni ecc. che simboleggiano il peccato.

Nonostante il suo degrado, dovuto in parte al suo orientamento a nord e in parte alla qualità dell’arenaria, l’Ultima Cena è ancora ben leggibile e restaurata nel 2009-10.
Gli Apostoli stanno a lato del Cristo, dietro il tavolo, solo Giuda è sul davanti inginocchiato mentre riceve il boccone da Gesù.

Immagini da
https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_San_Salvador_(Ejea_de_los_Caballeros)

http://www.romanicoaragones.com/4-cinco%20villas/990478-EjeaSS3.htm

Il Museo Fabergé, inaugurato nel 2013, si trova nel Palazzo Šuvalovskij. Si tratta del primo museo privato in Russia dedicato al grande gioielliere Carl Fabergé. La nascita del museo si deve alla Fondazione storico-culturale The Link of Times, fondata dall’imprenditore russo Viktor Vekselberg nel 2004 con l’intento di riportare in Russia le opere artistiche culturali di valore fuoriuscite dal Paese e dall’acquisto della collezione di opere del gioielliere raccolte in precedenza dal magnate americano Malcolm Forbes.

Il Museo conserva oltre 4.000 opere di arte russa figurativa e applicata. Tra esse un’icona con riza in argento di Ultima Cena.
Per riza (in russo “abito”) oppure oklad (in russo “copertura”) s’intende una protezione di metallo posta su una tavola dipinta con una immagine sacra, o icona, ma che lascia scoperti volti e mani delle figure sacre ritratte. La riza è tipica delle icone venerate nella Chiesa greco-ortodossa: il vocabolo è utilizzato anche per le coperture metalliche delle icone greco-bizantine.
Opera d’arte in sé, frutto di tecniche orafe specifiche e raffinate, la riza veniva sbalzata, quindi cesellata e incisa seguendo i contorni delle figure dipinte sulla sottostante tavola.

Link:
https://stock.adobe.com/bg/search?k=last+supper&asset_id=456217409

Tra i pezzi di pregio che sono conservati nel Museo annesso alla Cattedrale, spicca la “Croce degli Smalti”, restaurata nel 2016.
È realizzata con argento e argento dorato su un’anima di legno. Ha le estremità a forma di fleur-de-lis ed è decorata con smalti blu, da cui il nome.

Sulla faccia anteriore ci sono le sculture del Crocifisso al centro e di san Giovanni e della Vergine sui bracci laterali, Adamo che emerge dal sepolcro è scolpito alla base della croce e un angelo che discende dal cielo all’estremità superiore.

Altre sculture decorano l’opera e alcune altre scene sono raffigurate con smalti, in particolare, all’incrocio dei due bracci sopra il capo di Cristo, vi è l’Ultima Cena.
Tutti gli Apostoli sono raffigurati, con Giovanni appoggiato al tavolo accanto a Cristo. La tavola ha il piano rappresentato di scorcio e su di essa sono calici, pani, un piatto con l’agnello (?).

Link:
http://www.artmedieval.net/castella/Catedral%20de%20Girona%20museu.htm

Nella città catalana di Tortosa, la Cattedrale è un edificio in stile gotico catalano, iniziato nel 1347 sul sito di una precedente cattedrale romanica; consacrato nel 1447 e completato solo nel 1757.
Sull’altare maggiore un bel retablo della “Vergine della Stella”, che già era già la principale pala della cattedrale romanica che aveva la stessa intitolazione.

Si tratta di un polittico gotico-bizantino in legno policromo e dorato del 1351 con 24 pannelli scolpiti raffiguranti momenti della vita di Cristo e della Vergine con al centro la statua della Vergine della Stella che col braccio sinistro tiene il Bambino e nella mano destra ha una bacchetta con una preziosa stella di cristallo di rocca, argento e smalto del XV secolo. All’esterno dipinti che raffigurano la Passione e Resurrezione di Cristo, attribuiti al pittore italiano del XIV secolo Francesco d’Oberto.
Il polittico è realizzato con chiara influenza italiana; le 24 scene scolpite sono distribuite su tre registri e otto colonne, ciascuna sovrastata da una guglia con trafori lobati. Il polittico è completato da altre quattro immagini di Santi all’incrocio delle ante della pala; sopra l’immagine centrale della Vergine e su queste statue vi sono alti pinnacoli.
Riguardo al suo autore, i più recenti studi fanno il nome dello scultore catalano Pere Moragues (c. 1330-1388) per la somiglianza con opere dello stesso artista e per l’epoca in cui fu il principale maestro della Cattedrale di Tortosa.

L’Ultima Cena, posta a destra nel registro superiore, affiancato dalla statua della Vergine e dalla scena della Crocifissione, mostra Gesù al centro con a ciascuno dei lati soltanto due Apostoli; davanti a loro c’è il tavolo. Il ridotto numero fu presumibilmente dovuto allo scarso spazio a disposizione (tale ridotto numero si torva anche nella pala contemporanea di Girona, vedi scheda.

Immagini da:
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:145_Catedral_de_Tortosa,_altar_major,_retaule_de_la_Mare_de_D%C3%A9u_de_l%27Estrella.JPG

http://mgiribetshistoria.blogspot.com/2014/05/catedral-de-tortosa-el-interior-de-la.html

Tempera e doratura su tavola di pioppo di 19.5 × 35.5 cm.
Attribuito allo Pseudo-Jacopino di Francesco (o Maestro dei Polittici di Bologna), importante esponente della Scuola Bolognese attivo tra il 1325 e il 1350/60 circa.

Inventario numero 16.443. Donato al Museo da A. Augustus Healy

L‘Ultima Cena, con uno sfondo aureo, mostra Gesù al centro della fila degli Apostoli dietro la tavola; davanti a sinistra c’è Giuda. Giovanni dorme appoggiato alla tavola su cui sono pani, bicchieri, una caraffa, un’ampolla, un coltello, un piatto con l’agnello.

Il Museo è il secondo museo d’arte di New York, tra i più grandi degli Stati Uniti. La sua collezione permanente consta di più di un milione e mezzo di oggetti, dall’arte egizia a quella contemporanea. Fondato nel 1897 da Augustus Graham, cambiò nel 1997 il proprio nome in Brooklyn Museum of Art, ma nel 2004 ritornò al suo nome precedente.

Immagine da Wikimedia.

Notizie da:
https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/9694

https://it.wikipedia.org/wiki/Pseudo_Jacopino_di_Francesco

Tavola di legno in due parti, con base in gesso e tela (pavoloka), dipinto a tempera. L’icona è inserita in una cornice liscia di rame. Misura circa 156 x 123 x 6 cm.
Numero inventario DRJ-1446. Restaurata nel 1973.

L’icona dell’Ultima Cena è stata dipinta da Ivan Ushak, probabilmente per decorare il baldacchino delle Porte Reali di un’iconostasi (1) sconosciuta. Sono sopravvissute diverse immagini di questo tipo della seconda metà del XVII – inizi del XVIII secolo.
Solo Gesù ha l’aureola, tratto che si ritrova in dipinti seconda metà del XVII secolo. Sulla tavola brocche, calici, bicchieri, coltelli, pani. L’attenzione dello spettatore è concentrata su tre personaggi: Cristo, Giovanni e Giuda: le loro figure sono accomunate da una diagonale, che gioca un ruolo fondamentale nella costruzione compositiva della scena: ha origine nella piega del gomito di Giuda, si sviluppa nel gesto della mano destra di Cristo che gli sta porgendo il pane, e prosegue nell’inclinazione della Sua testa. Questa diagonale è accentuata dalle forme contrapposte: la direzione quasi verticale delle due mani di Cristo e Giovanni e la tenda verde sullo sfondo.

Dall’iscrizione nell’angolo in basso a destra dell’icona, si deduce che il suo creatore era un arciere nel reggimento Stremyanny, un’unità privilegiata degli Streltsy (la guardia reale dello zar) che svolgeva funzioni di polizia e la data: “estate del 7203 (1694)”.
Sono note altre due icone di Ivan Ushak; il loro stile e iconografia indicano che l’autore ha imitato le opere dei principali pittori di icone della “Camera dell’Armeria del Cremlino di Mosca”. Lo stile di Ushak è caratterizzato da un colore chiaro e brillante nei blu, rosa e rosso corallo, l’uso predominante della sbiancatura piuttosto che dei tagli in bianco dorato nella modellazione delle pieghe degli abiti, l’interesse a trasmettere emozioni.

Immagine e notizie da:
https://rusmuseumvrm.ru/data/collections/ikonopis/drzh-1446/index.php

Olio su legno di 110 x 170 cm, dipinto da di Diogo Vogado (? – 1652).
Inventario numero ME 853

In questa Ultima Cena, Gesù, al centro, e i dodici Apostoli sono seduti intorno a un tavolo rettangolare. Giuda è identificato dalla borsa dei soldi. In primo piano, al centro, un vaso dorato.
Le posture di tutte le figure sono rigide e convenzionali, con una certa sproporzione tra le diverse parti del corpo e i volti piuttosto allungati. La gamma cromatica è varia, il disegno è rigido e molto marcato.

Il dipinto apparteneva al Convento di Santo António (dei frati Cappuccini) di Évora, entrò nella Biblioteca Pubblica di Évora (BPE) il 26 agosto 1840 (Espanca, 1949) (insieme ad altri tre pannelli, ME 793, ME 4469, ME 4465) dove nel 1890 aveva numero di inventario 372. Il 1 marzo 1915, la collezione BPE fu trasferita al Museu de Évora. Il documento che ne identifica la provenienza è l’elenco manoscritto di Joaquim Heliodoro da Cunha Rivara, BPEcod. CX/2-18, fl 35, che recita: “Pannelli che provenivano dal Convento di Santo Antonio (Capuchos) il 26 agosto1840. 1 A Coena Domini altezza 38 1/2 pollici, larghezza 60 pollici In legno”.

Immagine e notizie da sito non più attivo nel 2024:
http://www.matriznet.dgpc.pt/MatrizNet/Objectos/ObjectosConsultar.aspx?IdReg=17629

La città si trova nella Russia Occidentale. Il Museo è stato aperto nel 1923 sul territorio del Cremlino di Vologda nei locali dell’ex corte vescovile. Il nuovo museo ha unito quattro musei cittadini: la Casa Petrovsky, l’Antico Magazzino Diocesano, una Galleria d’arte e un Museo delle Scienze della Patria. Passando da una sala all’altra, i visitatori del museo si immergono nella storia della terra di Vologda: dalla flora e fauna, a reperti storici e oggetti della tradizione della città come i merletti.

L’icona dell’Ultima Cena proviene dall’iconostasi (1) della Cattedrale di Santa Sofia a Vologda, fatta costruire nel XVI secolo dallo zar Ivan il Terribile, che ora è adibita a museo.
Un’iconostasi a sei livelli della Cattedrale fu fatta realizzare nel 1686-1695 dall’arcivescovo Gabriel. Le icone furono dipinte nel 1687 da un gruppo di sette pittori di Vologda sotto la guida di Ermolai Sergiev, come riportato nell’iscrizione sul retro dell’icona del profeta Gad: “Vologda izigraphs Yermolai e Yakov Sergiev, e Grigoria Agiev, Fëdor Grigoriev, Semyon Karpov, Pyotr Savelyev, Timofey Petrov, per la gloria di Dio”.
Nel 1738 le icone furono trasferite nella Chiesa dell’Epifania nel villaggio di Ramenskoye – patrimonio della Casa dei Vescovi di Vologda – dove furono distrutte intorno al 1940, convertite in mangiatoie per bestiame e alveari. È sopravvissuta solo un’icona: l’Ultima Cena, che era nell’ordine delle Feste liturgiche, trovata dalla spedizione di A.A. e T.P. Rybakov nel 1974 sotto una catasta di legna da ardere nel capannone della chiesa dell’Epifania di Ramensky.

L’icona raffigura l’Ultima Cena con, in alto, Gesù al centro della scena, l’unico con l’aureola, seduto a una tavola rettangolare. Giuda, a destra si sporge per prendere un boccone. Gli Apostoli, contando anche quelli seduti ai lati, sono solo undici e si riconosce solo Giovanni a sinistra di Cristo e probabilmente Pietro alla sua destra. Sulla tavola ci sono una coppa con dei pani, coltelli, una brocca, due alti recipienti.
Particolare è la doppia raffigurazione: in primo piano vi è la scena della Lavanda dei Piedi con di nuovo raffigurato Gesù, a destra in basso e, benché ormai poco leggibili, i recipienti dell’acqua. Gli Apostoli, anche qui solo undici, raffigurati con le stesse sembianze della prima scena anche se in posizione diversa, stanno seduti intorno a una bassa tavola rettangolare e alcuni voltano le spalle alla scena soprastante della Cena.

Immagine da:
http://desharel.blogspot.com/2019/12/russian-icons-last-supper.html

Info:
https://mylandrover.ru/it/suspension/vologodskii-gosudarstvennyi-muzei-zapovednik-grafik-raboty.html

Antica icona della scuola Rostov-Suzdal (Rostov è una città sul fiume Don presso il mar Nero; Suzdal si trova a nord-est di Mosca),  molto attiva dal XII al XVII secolo, che raffigura l’Ultima Cena.
Cristo è a si sinistra di un tavolo ovale su cui c’è una coppa con piede presso cui si sporge Giuda per prendere il cibo. Giovanni e appoggiato al petto di Gesù.

Sullo sfondo un’architettura che ricorda le icone schedate in: https://www.ultimacena.afom.it/russia-kirillov-monastero-di-san-cirillo-icona-di-ultima-cena-1497/ e https://www.ultimacena.afom.it/russia-velikij-novgorod-riserva-museale-statale-unita-di-novgorod-icona-di-ultima-cena-xv-secolo/

Immagine da:
http://desharel.blogspot.com/2019/12/russian-icons-last-supper.html

Olio su tela, di 254 x 354 cm, dipinto da Joaquim Rafael, (1783 – 1864).
Numero inventario 243 pin MNSR
L’opera proviene dal Convento de Santo António di Porto. Fu rimossa nel 1833 e incorporata nell’ex Museo di Pittura e Stampe di Porto, citato negli Inventari del 1834 e del 1839, poi nel Museo Nazionale.

Il dipinto raffigura l’Ultima Cena con Gesù al centro seduto su una piattaforma di legno vicino al tavolo, circondato dagli Apostoli. Egli con la mano destra indica un calice (alla sinistra dell’osservatore) mentre con l’altra tiene un pezzo di pane. Sfondo illuminato da un bagliore di luce intensa; a destra, cielo illuminato dalla luna; la parte superiore del pannello è occupata da un grande sipario rosso drappeggiato.

Il “Museo Nazionale di Porto”, fondato nel 1833, era situato all’interno dell’antico convento di Sant’Antonio e la sua collezione permanente era ridotta rispetto all’attuale; dopo il suo trasferimento nel 1942 all’interno dell’antico Palazzo Carrancas, costruito nel XVII secolo, si è arricchito di importanti opere, ed oggi conserva anche la raccolta di sculture realizzate da Antonio Soares dos Reis, a cui venne intitolato lo stesso Museo.

Immagine e informazioni da:
http://www.matriznet.dgpc.pt/MatrizNet/Objectos/ObjectosConsultar.aspx?IdReg=307556

La città di Staritsa è sul fiume Volga, nella regine di Tiver.
Il Monastero dell’Assunzione o Dormizione ebbe origine da una cappellina del XII secolo e si sviluppò molto nel XVI, comprendendo molti edifici.

La Chiesa della Santissima Trinità fu edificata nel 1819 in stile neoclassico, adiacente alla facciata nord della Cattedrale della Dormizione.
Al di sopra delle “porte reali” dell’iconostasi (1) vi è una lunetta con un’Ultima Cena nello stile russo del XIX secolo, con gli Apostoli, secondo l’antica iconografia, sdraiati attorno alla tavola su cui ci sono un calice e alcuni pani.

Immagini e notizie da:
http://desharel.blogspot.com/2019/12/russian-icons-last-supper.html

Olio su tela di 411 x 219 cm, adattato a pala dell’altare.
Datato al XVIII secolo.
Opera dei pittori André Gonçalves (1685 – 1762) di Lisbona e del parigino Pierre Antoine Quillard (1700 circa – 1733).
Numero di inventario: PNM 1103

In questa Ultima Cena, Cristo seduto a tavola al centro, tiene in ogni mano un pezzo di pane, la sinistra leggermente rialzata e la destra appoggiata sul tavolo. È circondato dai dodici Apostoli che indossano tuniche e vesti di notevole ricchezza cromatica, in una scena illuminata da una lampada a tre fuochi, fiancheggiata da drappi rossi che si aprono dall’alto.
La parte superiore del dipinto, di forma arrotondata, fu aggiunta alla tela principale; la composizione è riempita da quattro angeli che si librano sulle nuvole, che sorreggono due turiboli e una navetta (contenitore per incenso), con cui incensano l’ambiente.

Immagine da:
http://www.matriznet.dgpc.pt/MatrizNet/Objectos/ObjectosConsultar.aspx?IdReg=1030271

La collezione “Old Russian Painting” del Museo Unito di Vytegorsk comprende 508 oggetti del XVI – XX secolo. Alcune delle icone sono state restaurate, ma la maggior parte di loro sta aspettando il proprio turno. Nel 1968, diverse icone furono trasferite per il restauro al Museo storico russo e poi, per decisione del Ministero della Cultura, furono lasciate lì per la conservazione permanente.

Le icone erano considerate un oggetto d’arte tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, ma questo approccio, che poteva essere ritenuto blasfemo da alcuni credenti, diventò motivo di salvezza per molte immagini negli anni della lotta contro la religione. A causa del fatto che nel 1912 a Vytegra sorse un museo che nel 1918 ricevette lo status di istituzione culturale indipendente, le icone delle chiese di Vytegra che furono chiuse negli anni ’30 del Novecento non vennero bruciate, ma entrarono nella collezione del Museo.

Tra la fine del XVII e l’inizio del XVIII secolo, non lontano dalla città di Vytegra nella Russia occidentale, sorse un centro per la creazione di icone che operò fino alla metà del XIX secolo: il monastero Vygo-Leksinskoe, il più grande centro religioso, economico e culturale dei Vecchi Credenti (il movimento religioso che nel 1666-1667 si oppose alle scelte della gerarchia ortodossa russa, arrivando a separarsene in segno di protesta contro le riforme ecclesiastiche introdotte dal Patriarca Nikon).

L’icona che raffigura l’Ultima Cena, risalente al XVIII secolo, numero inventario VKM 9531, proviene dalla Chiesa dell’Assunzione della Vergine Maria di Devyatinskaya (chiesa costruita nel 1770 e distrutta da un incendio nel 1984, che si trovava in un villaggio della zona).

Immagine da
https://museum–vytegra-vlg-muzkult-ru.translate.goog/obraz?_x_tr_sl=ru&_x_tr_tl=it&_x_tr_hl=it&_x_tr_pto=nui,sc

Il Museo dell’arte della lacca si trova nel villaggio di Palek a circa 60 km dalla città di Ivanovo (a nord-est di Mosca) e raccoglie opere della scuola di pittura di Palekh che, per tradizione ancora attivissima, usa la lacca su cartapesta con fondi neri e oro, sia per icone, sia per pitture/miniature di carattere profano.
Il museo sorse con il patrocinio dello scrittore Maksim Gorkij, e dal 1935 conserva una enorme quantità di oggetti di questo tipo di arte, provenienti anche da altre esperienze artistiche sia dalla Russia che dal resto del mondo.

L’Ultima Cena raffigura gli Apostoli attorno a un tavolo ovale su cui sono un grande calice, pane, due bricchi, una saliera.

Immagine da:
http://desharel.blogspot.com/2019/12/russian-icons-last-supper.html

Link:
https://www.ciaoitaliarussia.it/le-miniature-lacca-del-villaggio-palekh/

Fondato nel 1957 come Galleria d’arte, oggi il Museo regionale delle belle arti di Tyumen, città della Siberiana occidentale, è considerato uno dei migliori musei d’arte al di là degli Urali.

Vasily Dmitrievich Polenov (1844 – 1927) è stato un pittore paesaggista russo associato al movimento Peredvizhniki; per garantire l’“autenticità” degli ambienti in cui Cristo visse, il pittore viaggiò in Egitto, Siria e Palestina nel 1881-1882. La serie di dipinti “Scene dalla vita di Cristo”, realizzati nel 1890-1900, contava 65 opere nel 1909.
Nel 1994 gli organizzatori della mostra personale dedicata al 150° anniversario della nascita del pittore, desiderosi di mostrare il lavoro dell’artista nella sua piena varietà e la diversità dei suoi talenti, hanno cercato di riunire tutta la serie, ma si è rivelato un compito impossibile poiché solo pochissimi pezzi della serie sono sopravvissuti in musei e collezioni private russe.
Di essi, l’Ultima Cena, è conservata al Museo di Tyumen.

La Cena è ambientata in una stanza fiocamente illuminata da una lampada centrale sul soffitto, il numero degli Apostoli non è definibile a causa dell’oscurità; tra le figure, che siedono su basse panche attorno a un tavolo rettangolare, non si riesce a riconoscere Cristo.

Immagine da:
https://www.oceansbridge.com/shop/artists/p/pl-por/polenov-vasily/the-last-supper-11

Link:
https://www.tretyakovgallerymagazine.com/articles/4-2011-33/vasily-polenov-i-love-gospel-tales-beyond-words

https://en.wikipedia.org/wiki/Vasily_Polenov

John Lawson (1868-1909), artista scozzese, pittore e scultore, fu noto soprattutto come illustratore di libri.
Il dipinto raffigurante l’Ultima Cena è molto frequentemente riprodotto nelle stampe artistiche.
Cristo è in piedi con in mano un pane; un calice e posto davanti a lui sul tavolo rettangolare; gli Apostoli hanno espressioni sconfortate per l’annuncio che uno di loro tradirà Gesù. Giuda, in primo piano a sinistra, volge le spalle agli altri e tiene in mano il sacchetto delle monete

Immagine da:
https://iartprints.com/prints/john_lawson_the_last_supper-28900.html

Link:
https://chrisbeetles.com/artist/510/john-lawson

Al termine del viale che separa i rialzati A e B di ponente, di fronte alle arcate che consentono l’accesso ai riparti esterni, si erge l’edicola Campari. Su di un basamento ricavato da un masso erratico porfirico è posto il gruppo scultoreo in bronzo raffigurante l’Ultima Cena dello scultore Giannino Castiglioni.
Il monumento funebre viene eretto (1936-1939) per volontà di Davide Campari (1867-1936), titolare dell’omonima azienda produttrice di bevande e liquori, il cui padre Gaspare intorno al 1865 aveva iniziato la produzione dell’amaro “bitter” a Milano; poco distante dall’odierno quartiere di Porta Nuova, nella fabbrica in via Galilei, Davide inizia poi a produrre il liquore dolce “cordial”, che riscuote fin da subito un grande successo. Grazie a un’oculata politica imprenditoriale e al ricorso a una massiccia campagna pubblicitaria, che vede impegnati artisti del calibro di Fortunato Depero (1892-1960) e Bruno Munari (1907-1998), la ditta Campari gode di una formidabile espansione commerciale, fino a diventare l’odierna azienda leader nell’industria globale della produzione di liquori.
Tra le più celebri opere del Monumentale, l’edicola Campari è opera dello scultore Giannino Castiglioni (1884-1971) che qui realizzò anche la colossale Via Crucis per la tomba del senatore Antonio Bernocchi (1933-1936); a questo artista si deve inoltre la realizzazione di innumerevoli monumenti commemorativi a Milano e nell’America latina, la sistemazione di cimiteri di guerra monumentali, come quello di Redipuglia (1928-1938), e la progettazione di medaglie d’arte.

Fonte: https://monumentale.comune.milano.it

L’ambone in marmo, sorretto da un loggiato di 9 colonnine antiche di riuso e appoggiato sul celebre sarcofago peleocristiano detto “di Stilicone”, crea un complesso monumentale di grande interesse ed è riconosciuto come una delle più importanti espressioni del romanico lombardo e unico esempio di tale arredo liturgico medievale conservatosi a Milano.
Realizzato tra il 1130 e il 1143, fu danneggiato nel 1196 per il crollo della volta della terza campata e ricomposto pochi anni dopo da Gugliemo da Pomo, come è ricordato dall’iscrizione incisa sul parapetto. Ornato con preziosi paramenti, veniva utilizzato dai monaci e dai canonici della basilica per le funzioni liturgiche; ancora oggi è utilizzato durante le solennità.

La complessa decorazione che riveste l’ambone è in gran parte ispirata a testi scritti da sant’Ambrogio, ha carattere narrativo e finalità didattica e pastorale.
Gli episodi rappresentati, insieme a figure animali simbolici, trattano il tema del Peccato e della Redenzione.
Sul lato settentrionale, il più nascosto ma il più ricco dal punto di vista figurativo, è scolpita una scena di banchetto con undici convitati, ancora oggi di incerta interpretazione.
Per alcuni studiosi è raffigurato il momento dell’Agape cristiana, il convitto di carità che i primi cristiani erano soliti tenere la domenica sera; altri invece vi riconoscono l’Ultima Cena di Gesù, realizzata secondo un’iconografia medievale che, trascurando volutamente il numero tradizionale degli Apostoli privilegia il momento della benedizione del pane e del vino, sottolineando il significato eucaristico dell’evento.

I rilievi furono eseguiti da due artisti diversi, convenzionalmente chiamati Maestro della cena e Maestro del Telamone. Mentre il primo è legato alla tradizione della scuola romanica milanese, dalla quale attinge le raffigurazioni di animali (aquila, leone, cerco, ariete) presenti anche sui capitelli della basilica, il secondo invece riporta la sua esperienza maturata nel Duomo di Parma.
Le due sculture in rame sbalzato e dorato appricate sul lato verso la navata e raffiguranti un’aquila (simbolo di san Giovanni Evangelista) e un angelo (simbolo di san Matteo) offrono una straordinaria testimonianza della metallurgia medievale.
Questi capolavori, databili forse addirittura alla fine del VII secolo, momento culturale di passaggio dal mondo longobardo alla rinascita carolingia, dovevano essere in origine applicati ad un ambone più antico di questo, insieme ai simboli degli altri evangelisti, oggi perduti.
E’ probabile che l’aquile avesse funzione di leggio, emergendo con tutto il corpo dal parapetto dell’ambone. La presenza di elementi metallici in un ambone di marmo, rende davvero unico questo monumento e lo avvicina per valore e importanza al prezioso pulpito decorato da rilievi in rame e avori del VI secolo, donato, tra il 1002 e il 1041, dall’imperatore Enrico II alla Cappella di Aquisgrana.

Vedi una descrizione completa dell’ambone:
http://www.medioevo.org/artemedievale/pages/lombardia/SantAmbrogioaMilanoAmbone.html

Bibliografia:

AA.VV. L’ambone di Sant’Ambrogio.
A cura di C. Capponi. Fotografie di S. Scarioni Dimensioni 25×29 cm Pagine 112 Illustrazioni 84 a colori, 28 in b/n Lingua Italiano Anno 2001 ISBN 9788882152925 Prezzo € 31,00
L’ambone della basilica di Sant’Ambrogio a Milano è – dopo l’altare di Vuolvinio – l’elemento che più attrae chi visita la chiesa. Il recente completamento del suo restauro fornisce l’occasione di riservare all’insigne monumento una specifica trattazione monografica. Insolita composizione di sculture di epoche diverse, l’ambone vero e proprio poggia sull’antico sarcofago romano, detto di Stilicone, poiché si credeva che contenesse le spoglie del generale degli imperatori Teodosio e Onorio. La sovrastante struttura medievale si può far risalire alla fine dell’XI o all’inizio del XII secolo e rappresenta una delle più importanti espressioni del romanico lombardo, unico esempio di tale arredo liturgico conservatosi a Milano fino ai nostri giorni. L’interesse del volume risiede non solo negli interventi di esperti delle diverse discipline – dalla storia dell’arte alla tecnica orafa, alla storia della liturgia -, ma anche nella presenza di uno specifico e suggestivo repertorio fotografico, che permette una visione insolita di bellissimi particolari scultorei.

Il Museo situato nell’antico Palazzo Episcopale, conserva molte pregevoli opere d’arte. Tra esse il retablo/pala d’altare dell’Ultima (Santa) Cena, dipinto a olio su legno. Attribuito a Martín Gómez il vecchio e a suo figlio Gonzalo Gómez; realizzato nel 1554-1556 circa.

Il pannello centrale della pala d’altare descrive la scena dell’Ultima Cena con Gesù che benedice con la mano destra e pone la sinistra sulle spalle di san Giovanni che dorme appoggiato alla mensa. Da quello stesso lato sono altri cinque Apostoli, mentre alla destra di Gesù, guidati da san Pietro, se ne vedono altri sei, e in primo piano, solo, Giuda Iscariota, con un pezzo di pane nella mano destra, e nella sinistra la borsa con le trenta monete d’argento.
Sullo sfondo una parete con porte e finestre e, nell’angolo in alto a destra, c’è un tavolino più piccolo con due bicchieri appoggiati sopra.
La tavola della Cena è circolare e sopra la tovaglia col bordo ricamato vi sono un bicchiere, un coltello, dei pani, fette di limoni o arance, un vassoio vuoto e un piatto con verdure.

Il retablo presenta un frontone triangolare su cui è dipinta l’Annunciazione; a destra della Cena la figura di san Cristoforo e a sinistra un Santo martire con un corvo ai piedi (forse san Vincenzo di Sargozza le cui spoglie furono difese da quest’uccello oppure sant’Espedito cui il demonio apparve sotto forma di corvo).

Immagini da:
https://www.elarteencuenca.es/blog/museo/museo-diocesano-sala-3

https://www.facebook.com/MuseoTesoroCatedralDeCuenca/photos/retablo-de-la-santa-cena-%C3%B3leo-sobre-tabla-atribuido-a-mart%C3%ADn-g%C3%B3mez-el-viejo-y-go/1108019872692411/